Le xxe siècle a vu l’arrivée de l’art du mime qui a débouché rapidement sur l’art du mouvement dans lequel excellent des troupes et des écoles de haut niveau. L’une d’elles, la Cia Moveo, est basée à Barcelone. Sophie Kasser et Stéphane Lévy, qui président à sa destinée, nous donnent quelques clés de leur art.

Comment en êtes-vous venu à l’art du théâtre du mouvement ?

Sophie : "Depuis toute jeune, j’ai toujours été en mouvement, avec le théâtre, la danse et le cirque. J’ai décidé de me former professionnellement au mime à Londres, après un stage à Paris. J’ai découvert cette possibilité de joindre théâtre et mouvement. Ce travail consacré à l’expression du corps s’oppose au théâtre classique de la Comédie française. Au même moment, la danse moderne s’est développée en opposition à la danse classique. L’avènement du sport et des activités de plein air a permis au nouvel art d’expression corporelle de trouver toute son inspiration."

Quel est le rôle de la mise en scène dans les spectacles de votre compagnie, qu’ils soient en intérieur ou dans la rue ?

Stéphane : "Différente du théâtre déclamatoire, nos mises en scène incluent une partie très forte de dramaturgie. Il faut organiser le contenu et le travail créatif des acteurs, la ligne des corps et du mouvement. En salle, nous avons la lumière et la scène. Dans la rue, il faut mettre en valeur l’histoire avec les interprètes, diriger les acteurs et les aider à trouver le contenu dramatique qui doit permettre au récit gestuel de se transmettre au public."

Parmi les nombreux spectacles que vous avez créés et interprétés, quel est celui qui vous a le plus marqué ?

Sophie : "Il n’y en a pas un en particulier, mais plutôt une progression à partir de Marelle, notre premier spectacle lors de la création de la compagnie à Barcelone. Ensuite, Requiem, un défi au niveau de l’interprétation, un plaisir à jouer lors d’une saison dans un théâtre et de se frotter à la réalité des émotions, soir après soir. Puis Conseqüències, point fort de nos créations, nous a permis de partir en tournée internationale, jusqu’en Corée, en Hongrie ou en Lituanie. Enfin, Où suis-je quand je suis deux, un dialogue sur scène entre une pianiste et moi-même, une démarche autobiographique évoquant la difficile conciliation entre vie familiale et professionnelle. Le monde du travail doit changer. Il manque encore bien des mécanismes pour harmoniser ces deux pôles de la vie des femmes et des hommes."

Quels sont les points forts de votre activité artistique et quels sont les blocages historiques et médiatiques qui peuvent les fragiliser ?

Stéphane : "La compagnie crée, depuis 2005, des spectacles qui cherchent à connecter mouvement et théâtralité. Notre travail sur le mouvement est complexe, ambitieux, et pourtant sa théâtralité et les années de recherche et d’expérience nous permettent de créer des spectacles qui arrivent à rompre la distance entre l’interprète et le public. Le mouvement, loin d’être illustratif, permet la transmission d’une poésie accessible à tous. Nous voulons créer un théâtre du corps qui reconnaisse la possibilité poétique du public.

Côté obscur, l’activité artistique des corps et des gestes est encore peu reconnue. Nous sommes souvent cantonnés dans un sous-genre théâtral, ce qui nous oblige à autogérer notre communication médiatique ou à nous affilier à la danse dont nous sommes pourtant bien éloignés."

En quoi les acteurs de votre art portent-ils des valeurs universelles ?

Sophie : "Les valeurs universelles sont véhiculées par un langage non codifié et poétique qui le rend accessible à de nombreux milieux. Il s’ouvre à une lecture libre du spectacle. Ouvrir notre cœur et notre esprit au point de créer une complicité et un échange entre interprètes et spectateurs devenus actifs, c’est notre passion.

Quel espace est donné à la formation des artistes du mouvement dans la vie culturelle européenne ?
Stéphane : La formation est très peu reconnue en Europe, sauf en France, notamment grâce au Collectif des arts du mime et du geste qui permet aux compagnies et artistes d’échanger leurs expériences. Étienne Decroux disait : « C’est le corps qui vit, c’est le corps qui souffre, c’est le corps qui meurt. » Cette idée que le corps est ce qui caractérise l’humanité est la base de notre activité.
Nous sommes une des seules écoles qui propose ce genre de formation sur le corps. Pourtant, il y a une vraie demande en Europe et dans le Monde. Ainsi, des élèves issus de 50 pays viennent se former à Barcelone, depuis plus de 15 ans, avec un désir de trouver autre chose que dans les formations de théâtre ou de danse.

Pourtant ce succès, le nôtre comme celui d’autres artistes qui suivent la même ligne, n’arrive pas à remettre en cause le schéma danse/mouvement et théâtre/texte.
L’important pour nous, c’est de continuer dans la foulée de ceux qui, hier, ont bousculé l’ordre établi des principes du spectacle vivant."

Propos recueillis par Yvon Huet